Wimbledon

Wimbledon

Partie de tennis entre Sophie Lapalu et Nicolas H Muller, janvier 2011
à propos de son exposition à la Générale en Manufacture, avril 2011

Nicolas H Muller : Au maximum je souhaiterais que cela reste entre nous, « la vérité elle ne se dit pas toute ».

Sophie Lapalu : Et est ce que l’on pourrait faire une interview à publier sur mon blog ? ça t’intéresserait ? ou au contraire, tu préfères ne pas « t’expliquer » , et laisser l’énigme ? Tu connais Stanley Brown, « L’oeuvre de Stanley Brouwn n’a pas été commentée, à la demande même de l’artiste qui nous indique « ne travailler ni avec des textes ni avec des images ». »

Je ne suis pas comme Stanley Brouwn, de fait je ne travaille presque qu’avec des images et des textes… Par contre, au contraire de m’expliquer, je préfère parler de certaines choses, en laisser d’autres hors-champs et finalement, si quelqu’un un jour lit ça, il en tirera ce qu’il voudra. Euh… ça voulait dire oui avec plaisir, merci de ta proposition. Mais est-ce qu’on peut faire quelque chose plus comme une discussion que comme une interview (un peu comme ce qu’on fait). Ou une discu-fiction (sorte de docu-fiction écrite ?!)
Merde je suis chiant quand même. Pardon, on fera comme tu le penses. C’est peut-être bien une interview finalement. J’espère ne pas être trop niais dans mes réponses

ahaha ! n’importe quoi.
Une des visions moderniste revendique l’idée que chaque discipline artistique se doit d’explorer ses propres caractéristiques physiques ; les peintres se concentrent exclusivement sur la couleur et la surface plane, et les sculpteurs se recentrent dans le volume clos de la sculpture. De cette manière, l’oeuvre, autoréférentielle, serait parfaitement autonome. Ce qui m’interpelle dans ton travail, c’est que formellement, tu t’approches d’artistes modernistes, à l’œuvre autoréférentielle. Pas d’expressionnisme, mais des formes minimales très sobres. Une toile avec trois ronds, un aplat de couleur turquoise, un bloc gris. Cependant, là où tu te détaches radicalement de ces conceptions, c’est que la majorité de tes travaux fonctionnent dans un contexte précis, et que, d’une certaine manière, ils ne sont pas autonomes. Pourquoi ce choix d’une forme abstraite/minimale inscrite dans un lieu spécifique?

Je ne fais pas véritablement ce choix d’une forme abstraite/minimale, elle s’impose de force. Ce sont à chaque fois des réponses évidentes aux questions qui arrivent à un moment donné. Et d’autre part, je ne parlerais pas de formes abstraites, minimales oui, mais ça se rapproche plus de figuration qu’autre chose (ce sont des représentations de formes déjà existantes). En héritier de l’histoire de l’art, je m’approprie juste certains de ces matériaux (formes et problématiques formelles) qui me semblent essentiels, pour leur donner une nouvelle orientation.
Et, justement, j’ai une série de dessins expressionnistes ou abstraits, mais qui, ici aussi, ne sont finalement pas autant de l’expressionnisme ou de l’abstraction que des représentations (série de dessin d’après explosion, beaucoup d’énergie, mais une représentation au final).

Est-ce que ça veut dire que tu souhaites que l’on « reconnaisse » la forme originale dont ton travail est issu ? C’est intéressant cette distinction entre abstrait et minimal.

Ouais, je chipote peut être un peu là.

Je veux bien voir tes dessins!

Je les ai déchirés il y a quelques nuits… Merde je suis con des fois, je t’en joins d’autres en échange. Des dessins d’architectures informatiques dessinées via Julia (mon magnifique ordinateur).

Tes travaux réalisés pour des lieux d’expo en particuliers ont tous « une histoire », une anecdote les accompagne, que tu ne dévoiles d’ailleurs pas forcément (une vitre cassée de la villa Cameline exposée dans la villa, une tranche du système de chauffage …). Est-ce la part narrative qui t’intéresse, celle qui se développe entre la forme et le lieu?

Je suis pas issu d’une famille ou d’un environnement culturel en art vraiment poussé (j’ai découvert Braque et Vasarely dans le film des Inconnus par exemple, ou bien ma première visite d’un musée était le palais de Tokyo pour l’expo de Wang Du). Et de ce fait, je veux toujours laisser de multiples portes d’entrée. Je n’aime particulièrement pas le postulat élitiste de certains, mais d’un autre coté la démagogie me fait un peu vomir (c’était le cas dans cette expo à l’ARC, Playback je crois). Cette narration donc permet des points d’entrées, comme un travail sur le lieu peut me renvoyer moi vers Michael Ascher et Robert Morris, ou plus caricaturalement Klein et Turrel.

Penses-tu qu’il faille révéler comment la forme est apparue, ou le spectateur doit-il imaginer par lui-même?

Je pense que le spectateur décide de sa place par rapport à la forme, quitte à ce qu’il décide qu’il n’y a pas de forme (ça m’est souvent arrivé, que certaines de mes pièces ne soient pas considérées comme telles, mais inversement aussi, que des éléments extérieurs soient considérés comme miens).

Ça c’est génial ; tu sais, c’est Goodman qui dit que les œuvres fonctionnent lorsque elles informent la vision ; « elles informent non pas en fournissant de l’information, mais en formant, re-formant ou transformant la vision, et non pas la vision confinée à la perception oculaire, mais la vision comme compréhension en général. […] Les œuvres fonctionnent en interagissant avec la totalité de notre expérience et de nos processus cognitifs dans le progrès continuel de notre compréhension. » [1]J’aime l’idée que l’art « infuse », que les échos de l’oeuvre se répercutent à travers notre environnement quotidien, qu’ils interagissent avec celui-ci. Libre à nous d’offrir une perception oeuvrée à une cheminée cubique, parce que l’on a vu ton travail et que ça se répercute. C’est une vision un peu romantique je pense, mais c’est ce que j’attends de l’art.

Ouais, je suis sûr et certain d’un retour du romantisme. Bien entendu pas cette vision naïve que l’on a digérée, plus quelque chose qui aurait le goût d’un désenchantement. Issu du passé glorieux du minimalisme, art conceptuel et age trouble de l’art en or des 80’s…

J’ai l’impression que tes pièces contextuelles sont comme des « révélateurs » des conditions de production. Genre « Je vais exposer dans ce lieux, ce lieu est ainsi, je vais jouer avec ». Qu’en penses-tu ?

C’est possible, mais peut être plus des révélateurs de condition de monstration, dans le cas des pièces contextuelles.

Je comprends, mais ce que je veux dire c’est que, dans les pièces contextuelles, la monstration arrive en 1 et la production en 2.
1 : « Je suis invité à exposer une pièce»
2 : « je crée la pièce en fonction du lieu d’expo ».
Soit on peut lire =je révèle les conditions de monstration ou =je révèle que je produis en fonction du lieu et que c’est ce lieu qui a fait que ma pièce est ainsi.
Et au final c’est autant révéler le lieu d’expo que le processus de production…
C’est pas clair mon truc.

Bah, franchement, c’est sûrement mes troubles dans la communication, mais c’est pas si obscur. En fait même je serai tenté de te suivre dans cette idée, je suis assez d’accord.

Stephan Germer: « Un contexte se construit, il ne se transporte pas ». Que signifie extraire une pièce conçue spécifiquement pour un lieu d’exposition et la présenter dans un parfait white cube, ailleurs que l’endroit pour lequel elle avait été réalisée ?

C’est justement la question que je me pose, dans ce sens on peut dire que c’est peut être plus de l’ordre de l’instrumentalisation des pièces, je ne propose pas une réponse, plus une question en fait.
Je ne sais pas si tu as vu l’expo du pavillon du palais le 18 décembre, Jérome m’a dit qu’un des résidents proposait une pièce in situ, des barrière qui vibraient et produisaient un écho dans l’espace. De cette manière, il était assez content de pouvoir déplacer cette pièce dans d’autres espaces… Est-ce vraiment de l’in situ dans ce cas là, ou juste une pièce que l’on place à différents endroits?

Ben, l’in situ, pour m’être franchement penchée sur la question, l’in situ TRANSFORME, reconfigure, le lieu.